Présentée dans les salles de la Villa des Arènes, demeure gênoise du XVIIe siècle qui abrite le musée Matisse depuis 1963, la collection permanente du musée compte aujourd'hui 68 peintures et gouaches découpées, 236 dessins, 218 gravures, 57 sculptures, soit la quasi-totalité de l'oeuvre sculpté, 14 livres illustrés et aussi 95 photographies, 187 objets ayant appartenu au peintre, que complètent sérigraphies, tapisseries, céramiques, vitraux et documents.
L'intérêt de cette collection réside dans la présentation de l'évolution artistique de Matisse, ses avancées et ses recherches dans le domaine de la couleur et du graphisme, des premiers tableaux de 1890 aux gouaches découpées de la fin de sa vie.
Exposition musée des Beaux-Arts de Tournai (Belgique)du 30 mai au 17 août. Peintre contemporain grec méconnu, Christos Ex’Agraphon expose ses oeuvres satyriques qui sont mises en parallèle avec les oeuvres permamentes de l'exceptionnel musée des Beaux-Arts de Tournai, oeuvre de l'architecte Victor Horta.
La dernière rétrospective consacrée à Mucha, présentée aux Galeries nationales du Grand Palais à Paris, date de la donation faite à la France par son fils Jiri, il y a plus de 30 ans. Le musée Fabre de Montpellier Agglomération porte, 70 ans après la disparition de l’artiste, un regard neuf sur l’ensemble de son oeuvre. Comment donner tout son sens à une production qui, bien qu’essentiellement graphique, recourt à toutes lestechniques, allant de l’infiniment petit à l’infiniment grand, des bijoux « Art nouveau » à des fresques de 14 mètres de long ? La réunion de près de 280 objets (dessins, affiches, bijoux, meubles, peintures…) rend toute sa dimension à cet artiste représentatif d’une époque et d’un style. Forte de ce sentiment que tout était encore possible grâce auprogrès scientifique et technique, la « Belle-Epoque » connaît un essor économique et social important, dont l’apogée est marqué et symbolisé par l’Exposition Universelle de 1900. La vie artistique est alors portée par les idéauxhumanistes des partisans de l’Art nouveau dans la volonté de rendre l’art accessible au plus grand nombre. L’exposition s’attache à restituer cet esprit d’insouciance, de luxe et de foi en l’avenir et s’articule autour de plusieurs temps forts.
L’art contemporain au musée Guimet Après le vernissage de l’exposition « De neige d’or et d’azur. CHU TEH-CHUN et la manufacture de Sèvres. Un maître chinois contemporain au musée Guimet », le Musée Guimet propose dès le 17 juin un nouvel événement, l’installation d’une œuvre contemporaine au sein des collections permanentes, présentée au cœur de la bibliothèque historique du musée (datant de 1889) appelée la Rotonde aux arts graphiques. L’artiste : Hung-Chih Peng Hung-Chih Peng est un artiste d’origine taïwanaise. Il est né en 1969 à Taoyuan à Taïwan. Artiste plasticien, il a exposé récemment son œuvre à la manifestation Taïwanpics.doc- art contemporain taïwanais, à l’Ecole nationale des Beaux-arts de Paris (du 24 mars au 3 mai 2009), en lien avec le centre culturel Taïwanais. L’œuvre « God Pound » ou le « dépôt des Dieux » L’œuvre s’intitule « God Pound » et date de 2006. Six cents statuettes de divinités en bois polychrome ou dorées, parfois acéphales, sont réunies en assemblée. Divinités du taoïsme, du confucianisme ou du bouddhisme, courants majeurs des religions d’Asie, ces divinités évoquent par leur multiplicité, un signe du syncrétisme culturel asiatique. Ces statuettes tournées vers un même horizon fixent un écran plasma, sur lequel le chien de Peng - « le moine canin », signe mot à mot le texte d’une chronique de l’artiste intitulée Supplique aux Dieux, sur un mur blanc. En plaçant l’animal au centre de la création, l’ordre des choses s’inverse et le chien permet à l’artiste de mieux démythifier l’œuvre d’art. La symbolique L’installation nous interroge ; le chien, créature innocente et inférieure, devient le médiateur des textes sacrés et crée le lien entre le lecteur et les écritures. Qui est le sujet d’écriture et à qui s’adressent-elles ? Aux 600 infortunées divinités bouddhiques campées là et sauvées de la destruction, métaphore de la « la chute des Idoles » ? Ainsi l’artiste se questionne sur la structure sociale, sur les phénomènes culturels, sur les problèmes d’identité et sur la hiérarchie entre Dieu, l’homme et l’animal. Découvrir … Venez découvrir cette installation contemporaine, symbole du temps présent-instantané, au sein de la bibliothèque historique du Musée Guimet, lieu de chronologie, Babel des mémoires et des savoirs.
François Pinault accepted Dinard’s offer to present a selection of artworks from his collection at the Palais des Arts with much enthusiasm.
This initiative fits perfectly with his involvement in contemporary art in favour of travelling exhibitions, which ultimate aim is to share his passion with a large public. After major exhibitions in Lille (Passage du Temps, 2007-2008) and Moscow (Un Certain Etat du Monde ? 2009), it is now Dinard’s turn to play host to the collection. This exhibition shows François Pinault attachment to the region of his birth, Brittany.
François Pinault’s curator Caroline Bourgeois is in charge of the exhibition. Through her selection of (most representative) works from the Collection, she leads the public into the collector’s atypical and bold steps, while making them see through his eyes : breaking with trends and established values, and showing interest in the most visionnary – and sometimes puzzling – artistic creations. « It is also the portrait of a true enthusiast, whose profoundness shows in his collection» says Caroline Bourgeois.
The exhibition puts the emphasis on four main aspects of contemporary art history:
> works stemming from a concept, (ie the minimalist movement, which favours the idea to the expression)
> art history being revisited and reinterpreted by contemporary artists
> popular, mass culture icons and items turning into art
> artists sharing their original views on our contemporary world (through such topics as consumers’ society, search for utopia, wars…) The Dinard exhibition offers to mirror contemporary obsessions through eye opening and conscience awakening works of art.
1: Concepts & artworks: Josef Albers, Dan Flavin, Agnes Martin, Lucio Fontana, Piero Manzoni, Lee Ufan and Pierre Soulages
2: History revisited: Charles Matton, Takashi Murakami, Paul McCarthy and Yan Pei Ming.
3: Pop culture and mythologie: Martial Raysse
4: From consumers’ society to the search for utopia : - Introduction : Ed Ruscha. - Consumers’ society/war/rebellion: Adel Abdessemed, Andreas Gurski, Barbara Kruger, Cindy Sherman, Jeff Wall, Jiechang Yang, Chen Zhen. - Cities : Subodh Gupta, Mike Kelley, Bharti Kher, Takashi Murakami, Julie Mehretu, Luc Tuymans. - Fears and phobias : Maurizio Cattelan, Paul Fryer, Damien Hirst, Claude Levêque, Yan Pei Ming, Andres Serrano.
Monument historique, situé au cœur du Vieux-Lyon, l’hôtel de Gadagne est l’un des plus vastes ensembles Renaissance de la ville.Il réunit le musée d’histoire de Lyon et le musée international de la marionnette. Après dix ans de travaux de rénovation, Gadagne a de nouveau ouvert ses portes au public le vendredi 12 juin 2009.
En mai 1889, la tour Eiffel ouvrait ses portes au public, quelques jours après l’inauguration de l’Exposition universelle dont elle était la vedette incontestée et l’attraction la plus spectaculaire.
120 ans après, la Mairie de Paris et la SETE (Société d'exploitation de la Tour Eiffel) marquent cet anniversaire par une série d’événements qui se répondent et vont ponctuer l’année 2009.
L’exposition « Gustave Eiffel, le magicien du fer », à l’Hôtel de Ville du 7 mai au 29 août 2009, retrace l’immense carrière de cet ingénieur d’exception et son éclatante activité de chercheur grâce à un riche ensemble de documents originaux. Une part importante sera consacrée à la Tour et aux projets qui ont accompagné sa genèse : intentions concurrentes, idées de transformations parfois inattendues. L’exposition montrera aussi l’influence que la tour Eiffel a exercée dans le champ artistique tout au long du xxe siècle.
Le traditionnel feu d’artifice du 14 juillet rendra hommage à Gustave Eiffel et à sa tour.
l'Association des Amis du Musée de la Mer présente une sélection d'affiches anciennes des principales compagnies maritimes françaises. Ces documents ont été choisis dans les collections de l'association French Lines. Outre leur évident intérêt artistique, ils témoignent de la fin d'une époque où les voyages intercontinentaux ne se concevaient encore qu'en bateau... Et leur promotion commerciale essentiellement par ces affiches, sous la signature d'artistes avérés tel que: A.Sébille, P.Colin, Sandy Hook, B.Lachévre, A.Brenet ... Beaucoup d'affiches, par leur intérêt artistique, sont conservées, au même titre que des œuvres d'art traditionnelles.La destination utilitaire de l'affiche implique son efficacité : s'agissant d'être perçu et compris rapidement par le public, de susciter la sympathie, on a considéré que l'affiche devait être simple dans son dessin et son texte, ses couleurs devaient être vives et attrayantes, cela dès que la nécessité commerciale est devenue une évidence et que, parallèlement, les techniques d'impression (notamment la lithographie) l'ont permis, au XIXe siècle.
Au travers de cette exposition, c’est à la rencontre d’une artiste flamboyante que le Musée de l’Impression donne rendez-vous à ses visiteurs. Née en Pologne, formée à Lodz et à l’école des arts décoratifs de Paris auprès de Paule Marrot, ZOFIA ROSTAD a su marquer le domaine des tissus d’ameublement, des tapis et du linge de maison au travers de ses créations aux couleurs vives et aux graphismes contemporains. Pour cette créatrice, l’art appliqué est un art majeur. D’ailleurs, et sans doute parce qu’elle maîtrise l’élaboration de ce qu’elle signe de la première esquisse à la diffusion, son style unique se traduit aussi bien sur ses gouaches que sur ses étoffes imprimées. Parce qu’elle aime la vie, Zofia aime la couleur qui s’inscrit au cœur de son univers artistique. « La création doit apporter de la joie aux gens », telle est la démarche de cette styliste qui en jouant avec les rythmes et les couleurs avec audace a su séduire le plus grand nombre et créer pour les plus grands. Sa créativité débordante sera ainsi illustrée autour de trois grands thèmes qui lui sont chers : la géométrie, les fleurs et les motifs pour juniors. LA GEOMETRIE Ses grandes réalisations, compositions abstraites, à base de collages, sans céder aux conventions de style, apportent toute l’originalité de sa création. Parallèlement, grâce à un habile jeu de superposition de couleurs variées, un travail autour des effets de matières est mené structurant étonnement ses compositions géométriques. LES FLEURS Sa rencontre avec Paule Marrot lui donnera le goût des fleurs, un de ses thèmes de prédilection. Les anémones, les coquelicots, les dahlias s’habillent tantôt de couleurs vives et toniques et tantôt de tonalités fraiches et pimpantes. La couleur reste sa langue favorite pour exprimer son enthousiasme et sa spontanéité. LES MOTIFS JUNIORS Une joyeuse ménagerie vient animer ses compositions : cochon, vache, hippopotame, chien et surtout chat, son animal préféré. Ces silhouettes rêveuses, parfois dodues, toujours colorées et recolorées avec talent, séduisent et amusent les plus petits comme les plus grands.
Découvrez Exposition Rodin érotique à la Fondation Gianadda de Martigny sur Culturebox ! Organisé par le Musée Rodin, Paris 6 mars - 14 juin 2009 Cette exposition propose un double parcours à travers sculptures et dessins d’Auguste Rodin qui proviennent tous du Musée Rodin de Paris. Sous le titre « Rodin Erotique », cette présentation est axée autour du culte que Rodin voue au nu féminin, et particulièrement au corps sexué de la femme. Si l’on sait que le nu est, pour le sculpteur, l’élément le plus important de son travail en ronde-bosse, la place qu’il occupe dans des milliers de dessins et aquarelles demeure largement méconnue. Un ensemble d’une trentaine de sculptures et de soixante-dix dessins permet d’explorer la question de l’érotisme dans la sculpture de Rodin et de tracer l’évolution des dessins érotiques de l’artiste, depuis les premiers dessins gouachés des années 1890 jusqu’aux grandes feuilles estompées au crayon des années 1910. Quelques-unes des sculptures les plus célèbres de Rodin, de L’Age d’Airain au Balzac nu en passant par Le Baiser, Jeux de Nymphes, Le Torse d’Adèle, Iris messagère des dieux ou Le Christ et la Madeleine, font partie de cette exposition et invitent à toute une réflexion sur les passages ténus du nu à l’érotisme, de la sensualité à l’obscène, de la transgression à la profanation. Parallèlement à son œuvre sculpté, Rodin a dessiné, tout au long de sa vie, et nous a laissé à peu près 10'000 œuvres sur papier, parmi lesquelles environ 7'000 sont conservées au musée Rodin de Paris. Si les œuvres sur papier ne peuvent être montrées que très ponctuellement, elles ne constituent pas pour autant une part mineure de l’art de Rodin, qui affirme à la fin de sa vie : « C’est bien simple, mes dessins sont la clef de mon œuvre » (René Benjamin, « les dessins d’Auguste Rodin », Gil Blas, 17 octobre-8 novembre 1910 ). Depuis la fin des années quatre-vingt, Rodin réalise de manière quasi obsessionnelle et jubilatoire des dessins qui sont autant de variations sur un même thème, celui du corps nu de la femme. Dorénavant, l’artiste dessine presque exclusivement d’après modèle vivant (« Je ne puis travailler qu’avec un modèle vivant », confie-t-il à Dujardin-Baumetz, « la vue des formes humaines m’alimente et me réconforte »). Il a enfin les moyens de faire appel quotidiennement à des modèles qui viennent se dévêtir, l’une après l’autre, ou parfois à deux ou trois, dans son atelier. Il ne les fait pas poser, mais les saisit dans leurs mouvements, leurs attitudes, les plus spontanées et les plus libres, dans une quête constante de vérité. Dessins parmi lesquels on peut distinguer deux types principaux. Dans le premier, l’artiste dessine vivement sur un feuillet, d’une pointe fine de graphite, en quelques minutes et sans quitter son modèle des yeux (« La main va au petit bonheur ; souvent le crayon tombe à vide ; le dessin se trouve décapité ou amputé d’un membre…Le maître ne l’a pas regardé une fois. En moins d’une minute, cet instantané du mouvement est pris… », témoigne Clément-Janin en 1903). Le deuxième type est un dessin repris ou calqué, à partir de l’un de ces « dessins sans voir », de façon à aboutir à un tracé épuré, simplifié, synthétisé, le plus souvent rehaussé d’aquarelle. (« Ce premier jet acquis, Rodin reprend son œuvre, parfois la corrige directement d’un coup de crayon rouge, mais le plus souvent, c’est en la calquant qu’il la rectifie… », continue Clément-Janin. ) Parmi les dessins de Rodin, près d’un millier sont communément considérés comme des des-sins érotiques, dessins que l’artiste n’enfermait pas dans un cabinet privé, mais qu’il cherchait à montrer en regard de ses sculptures, confirmant leur statut de grande œuvre. Les quelques quatre-ving-dix dessins exposés à la Fondation Gianadda font partie de cet ensemble excep-tionnel. L’artiste y révèle le travail intime et fervent auquel il s’est principalement livré au cours des deux dernières décennies de sa vie. Instaurant une connivence, voire une véritable complicité, avec ses modèles, il les amenait à prendre des attitudes inédites, sensuelles, extra-vagantes, à se caresser, à dévoiler les parties les plus secrètes de leurs corps, à s’ouvrir, tou-jours plus largement et de façon parfois acrobatique, pour montrer sans ambiguïté et sans fausse pudeur, leur sexe, leur plaisir, leur attente. Le sexe de la femme, ce siège des forces et des énergies vitales, presque toujours exposé, est situé au premier plan de la feuille. Dessiner le sexe, c’est dessiner ce qu’il y a de plus vrai. Dans ses dessins, d’une audace et d’une liberté extraordinaire, Rodin ne cesse de cerner, au plus près, la vérité des corps. « La beauté, c’est le caractère et l’expression. Or, il n’y a rien dans la nature qui ait plus de caractère que le corps humain. Il évoque par sa force ou par sa grâce les images les plus variées. Par moments, il ressemble à une fleur : la flexion du torse imite la tige, le sourire des seins, de la tête et l’éclat de la chevelure répondent à l’épanouissement de la corolle. Par moments, il rappelle une souple liane, un arbuste à la cambrure fine et hardie […] D’autres fois, le corps humain courbe en arrière est comme un ressort, comme un bel arc sur lequel Eros ajuste ses flèches invisibles. D’autres fois encore, c’est une urne. Le corps humain, c’est surtout le miroir de l’âme et de là, vient sa plus grande beauté ». (Auguste Rodin, L’Art. Entretiens réunis par Paul Gsell, Paris, Grasset, 1911). Nadine Lehni.
